MODERNISMO PICTÓRICO

DISEÑO DE PORTADA DE REVISTA

1. VINCULOS DEL NIVEL CONTEXTUAL

Datos Generales
TITULO: Portada VOGUE
AUTOR: Lorena Salazar
NACIONALIDAD: Ecuatoriana
MOVIMIENTO: Ninguno

Parámetros Técnicos
B/N / COLOR: Color
FORMATO: A4
FUNCIÓN: Informativa

2. NIVEL MORFOLÓGICO

FORMA DE LA IMAGEN: En la imagen se observa dos tipos de formas una orgánica: la mujer, estilizada y de rasgos delicados. Y por otro lado los círculos del fondo, además los textos forman tres rectángulos ubicados a los extremos de la composición.
COLOR: Uso de colores planos: rojo, negro, amarillo y rosado
LUZ: No existe luz en la composición
TIPOGRAFÍA: La autora utiliza dos tipografía Eccentric Std en caja alta y para el nombre de la diseñadora utiliza Zapfino Extra LT en caja alta y baja.
PROPORCIÓN: La modelo ocupa toda la parte central de la imagen, mientras que la tipo ocupa los extremos de la composición. Es decir, se compensan los elementos.

3. NIVEL COMPOSITIVO

PERSPECTIVA- NIVELES DE PROFUNDIDAD: Al haber dos planos, el fondo (el primer plano); la modelo, el texto y los puntos negros (el segundo). Existe cierta profundidad.
RITMO: La repetición de los puntos negros proporcionan ritmo uniforme a la composición.
DISTRIBUCIÓN PESOS: En la imagen se compensan los pesos visuales, que producen la imagen y el texto.
RECORRIDO VISUAL: De arriba hacia abajo, empieza por la cabeza de la modelo (sombrero de tacón) en medio de la palabra VOGUE, sigue hacia abajo hasta llegar a sus pies y finalmente al resto del texto.

DESCRIPCIÓN OBJETIVA
Esta composición diseñada para la portada de Vogue, cuyo segmento especial de moda está dedicada a la famosa diseñadora de moda con tendencias subrrealista, Elsa Schiaparelli. La composición tiene un formato rectangular en posición vertical, y consta de dos planos, el primer plano es el fondo de color rojo moteado con puntos negros, y en el segundo se encuentra la modelo y el texto. La modelo se encuentra en el centro, el texto se encuentra en la parte superior y inferior de la imagen. El ritmo de la composición es uniforme, y lo marca los puntos negros del fondo. La portada consta de colores planos, negro, rojo, amarillo, blanco, y rosa. El dibujo de la modelo es sensillo y está delimitado por una ligera línea negra. La posición de la modelo no es rígida, la modelo se encuentra contraída ligeramente formando curvas irregulares a lo largo de su cuerpo. En el texto se convinan dos tipografías ambas serif (Eccentric Std., y Zapfino Extra LT Pro), la tipo se integra a la imagen, por ejemplo, en el caso de la palabra VOGUE la letra "G" es reemplazada por la cabeza de la modelo. Todo el texto es de color negro. Los pesos visuales que producen la imagen y el texto están compensados. En fin que la composición, aunque sencillla está equilibrada.

DESCRIPCIÓN SUBJETIVA
La ilustración de la modelo es sencilla el trazo es seguro, la posición del cuerpo de la modelo es sugerente. La delicadeza de la posición de sus manos indica al espectador un cierto refinamiento y elegancia. La posición de sus pies, es particular, da la sensación que la mujer flota, en éste aspecto, la modelo recuerda mucho a las musas de Chéret. Se puede apreciar el perfil de la modelo de rasgos finos y delicados que tiene la mirada perdida. Sus labios rojos, además de las lineas curvas y sinuosas que enmarcan el vestido de la modelo, otorgan de sensualidad a la mujer. Por todo esto, más la vestimenta y su sombrero en forma de tacón, da ha entender al espectador que es una mujer culta y de mundo, con gran poder adquisitivo y de gustos bastante particulares, la autora obliga al espectador a que se centre en el sombrero y que tome encuenta que los diseños de Elsa Schiaparelli, son únicos y se basan en el subrrealismo.
Los colores del vestido son negro y blanco, el color del sombrero es negro, en general es un vestido de cóctel por lo tanto el espectador sobre entiende que el especial dedicado a la diseñadora se centra en enfocar los diseños más exclusivos de la artista. Para dar armonía a la composición y seguir esa línea de elegancia y sensualidad, la autora ha realizado la composición sobre un fondo rojo con bordes difuminados de color amarillo, que a la vez de enmarcar la obra recuerdan a las luces fluorescentes que se encienden en las noches de las calles de las grandes urbes. Aunque en el texto existen dos tipografías, ambas son serif, cuyas terminaciones van acordes a la época de 1930, cabe recalcar que el texto es de color negro, lo que determina que el espectador se centre en la modelo y por lo tanto en su vestimenta.

FOTOMONTAJE

1. VINCULO DEL NIVEL CONTEXTUAL

Datos Generales

TÍTULO: Bush noqueado
AUTOR: Patrick
NACIONALIDAD: ecuatoriana
AÑO: abril del 2009
MOVIMIENTO: ninguno

Parámetros técnicos

B/N /COLOR: a color
FORMATO: aún no se ha impreso en algún soporte. Tamaño 18 X 25 cm a 300 pp
FUNCIÓN: protesta contra el que fue presidente americano
OTRAS INFORMACIONES: no procede

2. NIVEL MORFOLÓGICO

Elementos formales e iconográficos

FORMA DE LA IMAGEN: existen dos tipos de formas orgánicas (que forman los personajes) y geométricas (franjas rojas geométricas).
EL COLOR: toda la composición está a color. La tipo, el fondo, y las franjas diagonales utilizan colores planos: blanco, negro y rojo respectivamente.
LA LUZ: incide sobre Bush en toda su parte frontal, la luz es natural.
TIPOGRAFÍA: la tipo es una sans-serif, corresponde a la impact en caja alta y de color blanco.
PROPORCIÓN: los dos personajes no guadan relación con respecta a la proporcionalidad, el niño es mucho más pequeño que Bush. Pero si, guardan relación con el formato rectangular de la imagen.

3. NIVEL COMPOSITIVO

Sistema compositivo

PERSPECTIVA-NIVEL DE PROFUNDIDAD: la imagen en general, no da la sensación de ser muy profunda, se puede observar cuatro planos: el primero el niño, el segundo, Bush, el tercero las franjas rojas con la tipo, y el cuarto el fondo negro. Con lo que respecta a las franjas oblicuas, se puede observar que fugan hacia el pundo de impacto del puño del niño y la mejilla de Bush.
RITMO: que lo generan la repetición de las franjas rojas.
DISTRIBUCIÓN DE PESOS: la distribución de los elementos de la composición es uniforme, guardando cierto equilibrio, ningún elemento llama más la atención que otro.
RECORRIDO VISUAL: el recorrido visual se inicia en el punto de impacto (el puñetazo), el espectador dirige su mirada hacia la cara y el cuerpo de Bush, de allí hacia las franjas rojas, éstas llevan hacia el niño, y el niño hacia el texto, y éste último hacia el fondo.

DESCRIPCIÓN OBJETIVA
Es el primer fotomontaje del autor, de modo que no se tiene trabajos anteriores, para así seguir una línea de comparación. Hablando a nivel dennotativo, es un trabajo que precisa pulir detalles técnicos, nótese que la resolución de las imagenes de los dos sujetos no es la misma, en una de ellas el ruido de la imagen es evidente, sin embargo hay que destacar el equilibrio visual en cuanto a pesos se refiere, para que exista éste equilibrio, ademá es fundamental el color, al ser una imagen a color que mezcla colores planos con colores matizados, no existe un color predominante.
La composición tiene ritmo regular que lo marcan las franjas rojas oblicuas que fugan hacia un solo punto (el puñetazo) que es el punto de inicio del recorrido visual que el espectador daría al observar la imagen, como ya se ha mensionado anteriormente.
Para terminar en la composición se observa cuatro planos: el primero el plano donde se encuentra el niño, el segundo Bush, el tercero las franjas con el texto y el quinto el fondo. En fin, que para ser el primer fotomontaje del autor, no está del todo mal.

DESCRIPCIÓN SUBJETIVA
No es de extrañar, que existan personas con tantas ganas de golpear al ex-presidente americano, ya se ha visto en noticieros del todo el mundo, como un periodista irakí, casi golpea a Bush con su zapato....bien, quien tuviera esa suerte!! de golpear a Bush y no ser perseguido, ni hecho prisionero. De vez encuando, es bueno soñar, no ?. El autor ha querido representar esas ganas reprimidas de dar un puñetazo a una persona que ha sido y será uno de los peores presidentes de la historia pólítica americana, a pesar de que la imagen representa un golpe, no es del todo violenta, resulta incluso un tanto graciosa, es obvio que el niño está disfrutando, lo dice su rostro risueño, mientras que se nota que a Bush lo cogieron de sorpresa.
La imagen habla por sí sola, es vital y sugerente; el texto es escueto, y directo, una buena combinación cuyo resultado es una composición equilibrada.

El cartel en la Guerra Civil española

1. VÍNCULO DEL NIVEL CONTEXTUAL

Datos Generales

TÍTULO: Unión Disciplina por el socialismo

AUTOR: Carles Fontseré

NACIONALIDAD: Español-barcelonés

AÑO: Desconocido

MOVIMIENTO: Socialismo en la guerra

Parámetros Técnicos

B/N / COLOR: A color

FORMATO: Desconocido

FUNCIÓN: Propaganda del movimiento socialista

OTRAS INFORMACIONES: Se desconocen

DATOS BIOGRÁFICOS RELEVANTES

HECHOS BIOGRÁFICOS RELEVANTES: Carles Fontserè (1916-2007), éste barcelonés fue uno de los máximos exponentes del cartelismo español durante la guerra civil española (1936-1939), además de cartelista fue dibujante y fotógrafo. Fue exiliado en 1939, vivió en México, París, y New York. Publicó varias obras: "Memories d' un catelista català", "Un exiliado de tercera en París durante la segunda guerra mundial", "París, México, New York". A muy temprana edad, 15 años para ser exactos comienza su trayectoria profesional y con 17 años realiza portadas de libros, además de carteles cinematográficos. Debido a un asunto familiar, y el drama social que se vivía en aquellos años, Fontseré cambia sus ideas políticas que tenía por entonces, por las del anarquismo libertario. Al estallar la guerra civil española no duda un sólo instante de combatir de la manera que sólo él pudo hacerlo con sus pinceles y los lápices al lado del bando republicano. A partir de entonces su profesión lo dedica al compromiso social, siempre procurando que su mensaje llegue mejor al público a través de elementos visuales que el pueblo los pueda digerir.

COMENTARIOS CRÍTICOS SOBRE EL AUTOR:"Su obra fue, por tanto, el resultado de una interacción con el Lector-espectador, donde la estética se hallará siempre subordinada al mensaje transmitido y su papel será el de contribuir de manera significativa a la compresión de éste. Su trabajo, por tanto, fue de una sola pieza, no siguió corrientes, ni nunca se preocupó por las modas".

Comentario: Raquel Pelta (HISTORIADORA DEL DISEÑO)

2.NIVEL MORFOLÓGICO

Elementos morfológicos y Iconográficos

FORMA DE LA IMAGEN: Existen un predominio de las formas orgánicas que se repiten, pero además se puede observar elementos de formas rectas y angulosas (lápiz, martillo, etc.)

EL COLOR: El autor mezcla colores fríos (celeste), con colores cálidos (amarillo y marrón), además, del blanco y el negro.

LA LUZ: La luz se proyecta al parecer del extremo inferior derecho de la composición, generando volúmen

TIPOGRAFÍA: La tipo, es una sans-serif en caja alta, dentro del texto se puede ver que mezcla tres tipos de cuerpos. El mayor de color negro y los otros dos del mismo gris, nótese también, que el borde de la tipo es de color blanco.

PROPORCIÓN: No procede.

3. NIVEL COMPOSITIVO

Sistema Compositivo

PERSPECTIVA-NIVELES DE PROFUNDIDAD: En éste caso se puede apreciar que los 4 hombres que aparecen en la composición fugan hacia el vértice superior izquierdo de la composición. En cuanto a profundidad, según planos se refiere, existen 6 planos: el primero lo ocupa la tipo; el segundo, el primer hombre con el martillo en la mano; el tercero el que sostiene la oz; el cuarto el que sostiene el lápiz; el quinto plano lo ocupa el último hombre, y para terminar el sexto plano es el fondo.

RITMO: Los perfiles de los hombre se repiten de forma regular ascendente.

DISTRIBUCIÓN DE PESOS: En la composición existen dos elementos principales: la tipografía que se encuentra formando un bloque horizontal, que descansa en la base de la composición; el otro elemento lo conforma los 5 perfiles, que forman una diagonal, que conforme asciende disminuye el tamaño del perfil de los sujetos. Es decir que los pesos visuales de ambos elementos están equilibrados.

RECORRIDO VISUAL: Lo que primero llama la atención, es la tipo, se sigue con la figura del segundo plano, el hombre que sujeta el martillo y de allí se va ascendiendo hasta llegar a la última silueta.

DESCRIPCIÓN OBJETIVA

Este cartel es un claro ejemplo de la habilidad como dibujante de Fontseré, su trazo es seguro, el volumen lo marca a través de la luz y las sombras. La ilustración básicamente es la repetición de una misma silueta, dicha repetición regular es la que da rítmo a la composición. La hilera de siluetas tiene forma diagonal, la misma que avanza de forma ascendente, se podría decir que ésta diagonal es la que marca el recorrido visual de la composición, recorrido que empieza por la tipografía y avanza progresivamente de silueta en silueta hasta llegar al fondo de la composición. La tipografía como se puede apreciar es una sans-serif en caja alta que combina tres tipos de cuerpos, el color de la tipo concuerda con el negro y el azul de la ilustración. Una peculiaridad y lo que llama la atención es la forma de la "S"son sus astas onduladas que son extremadamente cortas. Estamos ante un ejemplo de composición asimétrica donde el peso visual de cada elemento no se ve descompensado, por un lado el fondo que utiliza dos tintas: un amarillo potente y uno menos suave, por el otro el texto que descansa en la base de la composición, y en medio de éstos dos la ilustración, éstos tres elementos que en síntesis conforman el cartel, sin que ésto quiera decir que existan tres planos. En realidad, en éste caso se ha considerado que existe en la composición seis planos: el primero, el texto, el segundo, la primera silueta, el tercer plano, la segunda silueta, el cuarto plano, la tercera silueta, el quinto plano, la cuarta silueta, y por último el sexto plano, el fondo. Por lo que se deduce que es un cartel de amplia profundidad. El tratamiento que hace de la luz lo expresa a través de amplias manchas blancas, y que por la ubicación de éstas en la ilustración se ha llegado a la conclusión que el foco de luz estaría ubicado en el extremo inferior derecho del cartel. El cartel, como se aprecia es a color, el autor ha utilizado 5 tintas: el marrón (con sus matices), el celeste, el negro, el gis y el amarillo, es decir no existe una predominancia de color. Para finalizar éste análisis, se podría decir que el cartel en sí, hablando a nivel compositivo no presenta grado de complejidad, es sencillo muy en la línea de Fontseré.

DESCRIPCIÓN SUBJETIVA

Fontseré estuvo vinculado con la lucha contra el fascismo no sólo en el ámbito nacional, sino también en el internacional. No siendo así el caso, de otros diseñadores que ejercieron en esa época y que su trabajo se limitaba al apoyo a la República, es decir éste autor, utilizó su ingenio, su arte como arma para defender sus ideas. Como se ha citado anteriormente, ésta composición es sencilla, su mensaje es escueto y bastante directo, es decir, se ajustaba a las necesidades, que en ese momento la sociedad requería, tomando en cuenta además el factor tiempo, el diseño se debía realizar rápidamente, las circunstancias lo exigían. En éste cartel el mensaje es bastante claro: la "unión" del pueblo, es primordial para la victoria no importa la clase social, ni tu oficio, todos unidos por la causa pero siempre de forma disciplinada. La ilustración lo dice todo, la ubicación de las cuatro siluetas, mostrando que se encuentran en formación, con la cabeza en alto y con gesto serio, mirando hacia el frente, cada una de ellas portando con su mano izquierda: un martillo, una oz, un lápiz, etc.. Con ésto el autor quiere representar al pueblo trabajador, todos son iguales, todos están en igualdad de condiciones para luchar, independientemente a que te dediques o de que profesión eres: "haz de tu herramienta de trabajo tu arma contra el fascismo", mensaje más claro ninguno. Aún siendo analfabeto, aunque no se pueda leer el texto, la ilustración habla por si sola, es decir el texto se utiliza a modo de corroborar con la ilustración. Ya llegados ha éste punto, Fontseré como muchos de sus homólogos creativos, se basó en la ilustración como tema principal del cartel, ya que muchos de los españoles eran analfabetos, y por ello el dibujo debía ser lo más claro posible para que el mensaje llegué también a ésta gente, la más vulnerable en tiempos de guerra. El autor no precisa hacer hincapié en un elemento de la composición, el tratamiento que da al cartel, en cuanto al color es el mismo tanto el texto como la ilustración tiene colores parecido, ha considerado que el color no quite protagonismo al dibujo, que la gente entienda el mensaje de forma global y que ningún elemento sobresalga sobre otro. Las formas visuales que utiliza no solo en éste cartel sino en todos sus trabajos, tienen la finalidad de conectar fácilmente con la sociedad, aquí da una idea del fuerte compromiso social que tenía, es decir, su trabajo fue objetivo siempre al servicio de las demás. A pesar de vivir en el exilio durante mucho años, Fontseré nunca perdió su espíritu luchador, sus trabajos ya sean ilustraciones, litografías o fotografías estaban cargados de mensajes protesta, denuncia, etc. Este cartel es un claro ejemplo de que la composición y la estética de sus obras dependerán del mensaje que el autor quiera transmitir a la gente, él no se influenció por los "ismos", y fue siempre fiel a su arte figurativo lleno de vitalidad y fuerza, capaz de mover masas debido a una causa.

LA PROPORCION AUREA EN EL CARTEL

CREACIÓN DE UNA TIPOGRAFÍA

ANALISIS:

Datos generales

AUTOR: alumno de diseño
FECHA: marzo del 2009

Análisis formal

ESTRUCTURA: es una tipografía serif de rasgos geométricos, con predominio de formas circulares. Las letras de caja baja no sobresalen la altura de la x, ni la línea base.
Tanto para las letras de caja baja como alta, poseen astas verticales cuya unión con la cartela, es brusco; el blanco interno de la "a" es una área cerrada mientras que el blanco interno de la "0" está parcialmente cerrado, además su anillo no es uniforme. El eje de la "o" está inclinado ligeramente hacia el lado derecho.
Las letras de caja baja a excepción de la consonante "n" tienen como particularidad una pequeña circunferencia ubicada en el remate de cabeza o remate inicial; nótese que el brazo de la "e" es punteagudo.

Análisis funcional:

Es una tipo que puede ser utilizada para títulos ya sean de textos grandes o cortos, aunque la tipo es legible no es recomendada para utilizarse en textos en general, ya que su forma es compleja, demasiados elementos para el ojo humano, no se podría seguir una lectura recorrida, leer un texto con esta tipografía equivaldría a un verdadero dolor de cabeza.

Análisis simbólico:

Por su forma, por sus elementos claramente ornamentados ésta tipo remite al mundo de oriente, quizás a los cuentos de la cultura india, a mundos de fantasía.

EL CONSTRUCTISMO

1. VÍNCULO DEL NIVEL CONTEXTUAL

DATOS GENERALES

TÍTULO Livres.

AUTOR Aleksandr Ródchenko

NACIONALIDAD Ruso

AÑO 1925

MOVIMIENTO Constructivismo

PARÁMETROS TÉCNICOS

B/N / COLOR En la imagen se ve el blanco y negro (fotografía) y el color (en el resto de la composición).

FORMATO Fotografía y gouache 20.4 x29.2 cm

FUNCIÓN Cartel para la oficina Estatal de Leningrado

OTRAS INFORMACIONES Sirvió además de anuncio publicitario de la sección de la Gozizdat (Imprenta Estatal) de Leningrado. La mujer de la fotografía es Lily Brik, ésta imagen fue tomada en 1924.

DATOS BIOGRÁFICOS Y CRÍTICOS

HECHOS BIOGRÁFICOS RELEVANTES

Aleksandr Ródchenko, nace en San Petesburgo el 5 de diciembre de 1891. Casado con Varvara Stepánova, igualmente artista.

Este pintor, escultor, fotógrafo y diseñador gráfico fue uno de los fundadores del constructivismo ruso.

Su obra se vio influenciada por Kasimir Malevich y sobre todo por Vladimir Tatlin.

Artista vanguardista fue simpatizante de los bolcheviques. Al ser afín al gobierno, éste lo nombra Director del DEPARTAMENTO DE MUSEOS. Rodchenko además de ser un reconocido artista fue también profesor en la Escuela de Estudios Superiores de Arte.

Muere en Moscú el 3 de diciembre de 1956.

COMENTARIOS CRÍTICOS SOBRE EL AUTOR

"Como rasgo común con respecto a sus retratos fotográfico, Rodchenko levanta la cámara al cielo, y al menos por una vez deja de lado las máquinas de la vida moderna. Este artista-ingeniero pone en práctica lo que había clamado en 1928: "Nosotros educados para ver lo habitual y lo ya instaurado nuestro pensamiento visual. Debemos quitarnos del ojo un velo llamado desde el ombligo".

Rodchenko de la espalda al maquinismo intrínseco de su personalidad y no muestra la industria del sistema, ni exaltaciones de las teorías de Lenin y Stalin sino el ideal soviético en plena era socialista. Todavía en 1936 Rodchenko se reafirmaba sobre su ideología soviética. "He recorrido un camino creativo complejo, pero tenía claro quién era y qué quería. Estoy seguro de que seguiré haciendo auténticas obras soviéticas"

Azucena Arteaga Medina/José Félix Álvarez Izquierdo

(www.criticafotografia.blogspot.com)

2. NIVEL MORFOLÓGICO

ELEMENTOS FORMALES E ICONOGRÁFICOS

FORMA DE LA IMAGEN En ésta composición se encuentra varias formas geométricas: triángulo, círculo, y varios rectángulos de color negro, rojo y verde.

COLOR La fotografía esta en blanco y negro, el resto de elementos compositivos utilizan colores planos: rojo, verde, azul, negro y el blanco.

LA LUZ La luz incide en la fotografía de Lily Brik, en el costado izquierdo superior.

TIPOGRAFÍA Se puede observar que es una tipo sans-serif, en caja alta. Parte del texto utiliza una sola tinta (roja), y además lo ha recortado de siguiendo la forma del triángulo. El resto del texto se encuentra en negativo.

PROPORCIÓN En la imagen de la mujer, se puede observar que es nítida que no hay ninguna distorsión. Todos los elementos de la imagen, en general figuras rectangulares, que enmarcan al círculo y el triángulo del centro, guardan relación con la forma rectangular de la composición.

3. NIVEL COMPOSITIVO

SISTEMA COMPOSITIVO

PERSPECTIVA-NIVELES DE PROFUNDIDAD De la forma que ha sido enmarcada la fotografía de Lily Brik, dentro de un círculo, se genera sensación de profundidad, con planos: el primero los rectángulos y el círculo, en el segundo plano la mujer. No existe perspectiva al carecer de un punto de fuga.
el primero donde aparecen las formas geometrizadas y el texto, y el segundo la imagen de Lily Brik.

RITMO Existen elementos que se repiten en la composición, tales como: las franjas rojas diagonales de color rojo del lado derecho de la imagen, al igual que las líneas blancas que se encuentran entre éstas. Los dos rectángulos rojo que se encuentran en la parte superior e inferior de la imagen. El texto, igualmente ubicado en la parte superior e inferior de la imagen, al lado izquierdo.

DISTRIBUCIÓN DE PESOS La distribución de los elementos compositivos están ubicados de tal manera que, ninguno de ellos llama más la atención. Así mismo el autor utiliza 4 tintas planas para definir la composición, que se distribuyen de tal manera, estratégicamente, para que ningún elemento tenga mayor peso visual que otro.

RECORRIDO VISUAL Al observar la imagen, lo que llama la atención es la mujer, el gesto que hace con la mano, la dirección que tiene su rostro su mirada, dirige al espectador hacia la tipo en color rojo, ésta a su vez dirige hacia las franjas rojas y a la tipo que se encuentra dentro de un cuadrilátero azul. Las franja rojas en posición inclinada finalmente, dirigen la mirada hacia el rectángulo negro y a la tipo integrada a éste.

DESCRIPCIÓN OBJETIVA

Alekjandr Ródjenko, el autor de ésta composición, hombre polifacético, que experimentó con la fotografía y el foto montaje. Se dedicó al diseño de carteles, he aquí un ejemplo: LIVRES. Para la realización de éste cartel se basó en una fotografía de Lily Brik. Este cartel sencillo en cuanto a formas (rectángulos, un círculo, franjas en posición inclinada), no siendo así en cuanto al color, que utiliza 4 tintas que aunque planas, son varias. Muestra una composición equilibrada.

Para otorgarle ritmo, el autor ha colocado de forma seriada elementos: en posición oblicua ( franjas de color rojo ), las líneas blancas que delimitas las formas, como el círculo, el rectángulo, etc, además de que parte del texto se repite en la parte superior e inferior izquierda de la composición.

Aunque la imagen carezca de puntos de fuga, se puede hablar de profundidad en cuanto a planos se refiere, que en éste caso son dos, como se ha comentado antes, la mujer se encuentra en el primer plano, ya que si se observa, la mano está detrás de la tipo que se encuentra enmarcada en una especie de triángulo negro, es decir, se encuentra sobre la fotografía de Lily Brik.

En cuanto a composición, se trata de una asimetría, donde se nota, que los pesos visuales de cada uno de los elementos, se encuentran equilibrados y sus proporciones están relacionadas entre sí.

En base a lo analizado anteriormente, no cabe duda, de la creatividad de éste amante del arte, que creaba en base y por un "ideal soviético". Este cartel es un claro ejemplo.

DESCRIPCIÓN SUBJETIVA

La expresividad en el rostro de la mujer, el dinamismo de su posición, refleja la llamada o el grito de un acontecimiento único, importante e irrepetible, por parte de una mujer obrera, ya que el pañuelo en la cabeza, denota la característica de "obrera" al personaje. Es decir, utiliza un lenguaje visual a favor de la sociedad soviética. La imagen habla por sí sola independientemente de si se conozca o no el idima en el cual se encuentra el texto.

Nótese, que a pesar de ser una imagen en blanco y negro sabe comunicar el mensaje al espectador, de una manera si se quiere entusiasta. Fue muy acertado, por parte de Ródchenko, ubicar la fotografía dentro del círculo de color azul. La dirección que toma la mirada del espectador, en un primer momento, es en éste círculo.

Ródchenko fue un pilar clave en el CONSTRUCTIVISMO, uno de los vanguardistas más importantes del siglo XX. Este cartel es un claro ejemplo, de lo experimental, y polifacética que fue su obra, se observa como mezcla la fotografía con la tipo de una manera armoniosa y dinámica. Un pionero en el arte de la fotografía, fotomontaje, diseño de carteles, entre otros, donde la fusión de la forma, su lenguaje visual, y el significado, son armas contra el capitalismo y el fascismo. Ródchenko fue un idealista socialista, el legado de su obra es un reflejo de la sociedad soviética de aquellos años.

DIRECCIONES DE CONSULTA

http://www.carbularte.blogspot.com/

http://www.criticafotografia.blogspot.com/

Análisis de la imagen fotográfica

Análisis número 2

1. NIVEL CONTEXTUAL

DATOS GENERALES

TITULO

El velatorio

AUTOR

W. Eugene Smith 1918-1978

NACIONALIDAD

Estadounidense. Wichita, Kansas (EEUU)

AÑO

1950

PROCEDENCIA DE LA IMAGEN

Internet 22.58 cm X 15,24 cm, 72pp (640 píxeles x 432 píxeles)

GENERO

Fotografía artística

GENERO2

Reportaje fotográfico

GENERO3

Retrato

MOVIMIENTO

Fotoensayo

PARAMETROS TECNICOS

B/N / COLOR

Blanco y negro

FORMATO

No procede

CAMARA

No procede

SOPORTE

Papel fotográfico

OBJETIVO

No procede

2. NIVEL MORFOLÓGICO

ELEMENTOS MORFOLÓGICOS

PUNTO

El difunto y las mujeres

LINEA

Diagonal por la posición del cuerpo recostado, la línea vertical nos marca la posición de las mujeres, existen dos línea diagonales que se contraponen a la dirección del cuerpo recostado y son: los brazos de dos de las mujeres que se encuentran al lado izquierdo de la imagen.

PLANO(S)-ESPACIO

Existen tres planos, el primero donde se encuentra el difunto, y el segundo donde se sitúan las mujeres de la primera hilera (arrodilladas), y el tercera las otras plañideras del fondo.

FORMA

Se encuentra un tipo de forma la compuesta viva que son todos los personajes, y las angulosas que forman sus vestimentas.

TEXTURA

La fotografía en sí carece de textura, pero los elementos que conforman la imagen contrastan entre sí, el cabello, la piel de los personajes, los tejidos de sus vestimentas, lo tosco y desgastado de las paredes.

NITIDEZ DE LA IMAGEN

Toda la imagen se encuentra enfocada.

ILUMINACION

Es artificial dura (se trata de una lámpara o vela), ya que el contraste marca las formas y las sombras de los rostros. Se encuentra ubicada en el lado izquierdo cerca al difunto, unos 5 cm aproximadamente mas arriba de su cabeza, y separada de la pared unos 50 cm aproximadamente.

CONTRASTE

En genera es bastante contrastada, los grises se los puede diferenciar claramente, existen pocos.

TONALIDAD

En este caso al ser la fotografía en B/N, los grises están bien marcados.

3. NIVEL COMPOSITIVO

SISTEMA SINTÁCTICO O COMPOSITIVO

PERSPECTIVA

Desde el punto de vista de la profundidad existe perspectiva, ya que, al haber un primer y segundo plan, y el fondo de la composición, trasmite sensación de espacio.

RITMO

Con respecto a las líneas verticales que enmarca los seis personajes, las diagonales: la posición de los brazos, manos y las sombras que proyectan, además de otro tipo de diagonal que genera el cuerpo recostado.

DISTRIBUCIÓN PESOS

La distribución de pesos es sencilla: en el primer plano se encuentra el cuerpo recostado que tiende hacia la horizontalidad y ocupa de extremo a extremo parte de la imagen y en el segundo plano los cuerpos verticales ubicado al lado derecho de la imagen.

LEY DE TERCIOS

Los cuatro puntos que se toman en cuenta para la ley de tercios, se encuentran cubiertos por la imagen.

RECORRIDO VISUAL

Empieza por los rostros, la mirada de las mujeres que nos dirigen hacia el rostro del difunto y éste a su vez hacia sus manos entrecruzadas.

ESTATICIDAD / DINAMICIDAD

La imagen es dinámica, por el hecho de ser una imagen apaisada, porque su composición es activa los elementos que la conforman son seres animados, por el dominio de las líneas horizontales y verticales de la composición.

POSE

Es evidente que el autor captó el momento idóneo para capturar la imagen, los personajes posaron de manera indirecta para el fotógrafo.

ESPACIO DE LA REPRESENTACIÓN

INTERIOR EXTERIOR

La imagen está realizada en un habitación.

CONCRETO / ABSTRACTO

Se puede observar que la imagen es claramente figurativa, se distinguen los elementos.

PLANO / PROFUNDO

Ya que existen planos la composición en general tiene profundidad.

PUESTA EN ESCENA

Al parecer si, el autor enfocó a los personajes de ésta manera, esperando el momento idóneo para lograr una composición con profundo mensaje.

TIEMPO DE REPRESENTACION

INSTATANIEDAD

Carece de instantániedad, el autor buscó y esperó la actitud de sus personajes.

ATEMPORALIDAD

No representa un hecho en concreto, es decir en el ámbito histórico, pero la vestimenta de los personajes corresponde al pasado por lo que la imagen se la encasilla en una determinada época, se podría decir que a principios del siglo XX.

SECUENCIALIDAD / NARRATIVIDAD

La imagen es expresiva, nos cuenta algo en éste caso, el velatorio de una persona de pueblo en tiempos de una dictadura.

VALORACION OBJETIVA

Esta imagen es un claro ejemplo de la línea que sigue Smith, el fotoensayo. Esta foto representativa de Smith pertenece a un reportaje que realizó en los años 50 en el pequeño pueblo extremeño Deleitosa, es evidente que la imagen representa la España de aquellos años, nótese que en los puntos de interés (el difunto y las plañideras) están resaltados por la luminosidad (en éste caso un solo punto), cada uno de los puntos de interés, a pesar de estar en dos planos distintos se relacionan con una sutil armonía a través del recorrido visual que sugiere la mirada de la una de las mujeres. A pesar de la actitud y posición de los cuerpos de las personajes que se encuentran en reposo, la imagen es dinámica ya que las líneas que se conjugan, verticales, diagonales, lo hacen de tal manera que el ritmo es sutil. Es una característica de Eugene Smith realizar composiciones bastante contrastadas, cargándolas de dramatismo, ésta fotografía es un claro ejemplo, la luz es bastante dura, es evidente que no es natural, las sombras que proyectan los personajes, estan bien definidas, la luz es artificial, al ser la imagen captada en el interior, corrobora lo dicho anteriormente. Los seis personajes de la instantánea ocupan casi la totalidad de la composición equilibrando el peso visual y confirmando así, que la manera perfecta de componer un reportaje fotográfico, se basa en los cuatro puntos básicos de la regla de tercios, (en este caso se toman los cuatro).

Como se puede observar, con lo dicho anteriormente, Smith, nos muestra una realidad bastante dramática. La luz, el contraste, la sobriedad del fondo de la imagen, la ubicación de los personajes, sus actitudes, etc. todo nos lleva a esa atmósfera desoladora.

VALORACION SUBJETIVA

Al ver ésta instantánea, un estremecimiento surge, se diría que incluso escalofríos, la atmósfera que se crea es tétrica, los rostros de todos los personajes, sugieren compasión, pena, terror, gracias a la iluminación dura, y sus sombras proyectadas que esculpen los rostros de forma dura, cruda, haciéndolos calavéricos, como un preludio de lo que llegaremos a ser algún día. La variedad de texturas que se conjugan, la piel curtida, las vestimentas sencillas de los personajes, las paredes envejecidas, transmiten la triste realidad a la que se enfrentaba aquel pueblo y España en general.

Es una imagen que evoca reflexión, la expresividad de los personajes es un grito ahogado de desconsuelo, y se podría decir de resignación por una forma de vida sometida a una dictadura.